Madrid que bien resistes

La exposición, Madrid que bien resistes, de Javier Marquerie Bueno, se encuentra ubicada en el Teatro Pradillo. Es una sala de teatro situada en la calle de mismo nombre (Chamartín, Madrid).

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Es un centro de creación, investigación y exhibición dedicado a las artes vivas contemporáneas, según cuentan sus actuales dirigentes (artistas, teóricos, gestores y técnicos) Trabaja además desarrollando proyectos con diversas estructuras locales, nacionales e internacionales: desde teatros a museos, centros de arte, festivales o universidades.

El teatro esta ubicado en un antiguo local de SEUR, adquirido por componentes de la Compañía dirigente: La Tartana Teatro. Su programación está integrado en varias de las actividades realizadas por el Ayuntamiento de Madrid, aunque independiente también ha recibido el apoyo de administraciones como el INAEM (Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música)

El autor de la obra, Javier Marquerie Bueno, es un fotógrafo español nacido en Madrid en 1969, que cuenta en su familia con ya una tradición fotográfica.

Fundó la productora audiovisual Buonafedes SL en 1995 y desde entonces, todo su trabajo, ya sea en formato audiovisual, artes escénicas o fotografía, ha sido desarrollado bajo esa plataforma.

Ha publicado hasta el momento en innumerables ocasiones e ilustrado portadas en varios países, siendo más representativo el retrato de escuela clásica y el trabajo en estudio, aunque es en la fotografía de aviación donde ha tenido más reconocimiento.

El lugar donde estaba expuesta la obra era el recibidor del teatro. De paredes blancas, suelo negro y sin iluminación natural.

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La obra, consta de un mayor número de fotografías, pero se decidió que solo se expondrían doce. Se encuentran repartidas en dos paredes enfrentadas (de alrededor de 6 metros de longitud, con una separación aproximada entre cada una de las paredes de unos 3 metros)  iluminadas con varios focos que son compartidos por varias de las fotografías.

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La obra, expuesta desde el 13 de febrero a 29 de marzo de 2015, muestra una serie de fotografías antiguas, de la Guerra Civil española, en Madrid, con calles destruidas, casas derruidas, fallecidos por las aceras… y el autor se trasladó a los lugares donde fueron tomadas dichas fotografías y capturó unas semejantes pero de la actualidad. Luego las juntó por mitades y se puede observar el contraste que producen. Esto fue lo que más me llamó la atención, como chocan las fotografías antiguas en blanco y negro, que mostraban  un Madrid desolado y destruido por la guerra, con las fotografías actuales, a color y situaciones cotidianas.

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En palabras del propio autor, de esta forma se realizaron estos collages: “Aunque las fotografías han sido realizadas con equipo digital, las lentes utilizadas fueron antiguas o basadas en diseños ópticos coetáneos a los empleados en la época y debidamente adaptados, con el fin de acercarme a aquella forma de trabajo y conseguir calidades fotográficas semejantes”

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Exposición Chema Madoz

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La exposición de Chema Madoz, Las Reglas del Juego, se puede visitar desde el 13 de mayo al 2 de agosto de 2015, de forma gratuita, en la Sala Alcalá 31. Situada en la calle homónima.

Esta sala se encuentra ubicada en un emblemático edificio de Antonio Palacios, construido entre 1935 y 1943. En el año 2002 se inauguró para albergar oficinas de la Consejería de Empleo, Turismo y Cultura, además de dicha sala de exposiciones.

La sala ocupa una gran nave abovedada de lo que en su día fue el patio de operaciones del Banco Mercantil e Industrial. Esta sala mantiene una línea de exposiciones de arte contemporáneo de acceso libre y gratuito. Alberga tanto exposiciones individuales como colectivas. Está especializada en artes plásticas y visuales de ámbito nacional e internacional y promueve la incorporación de nuevas tecnologías como forma de expresión artística.

Las reglas del juego, se presenta con motivo de la concesión al artista del Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid 2012, en la modalidad de fotografía.

Chema Madoz nació en Madrid en 1958. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y destacan sus trabajos surrealistas en blanco y negro.

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Su obra se basa en imágenes construidas a base de juegos de imaginación, en los que predominan las perspectivas y texturas. Le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía en el año 2000. Su primera muestra individual fue expuesta en 1985 por La Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Entre otros premios, también ha recibido el PhotoEspaña, en 1998.

Como anteriormente se ha dicho, la sala se encuentra en una gran nave abovedada, de suelo de piedra claro, techo alto con unas vidrieras y con varias lámparas antiguas de gran tamaño.

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Para esta obra, el autor junto con el comisario acordaron en exponer 112 fotografías realizadas en los últimos seis años, en cuatro paredes fijas de color blanco, además de en otras tres paredes móviles del mismo color, aunque la obra completa consta de 124 fotografías. Ordenadas además de por un orden cronológico, por tamaños y series, para que se aprecie mejor la sencillez y la serenidad. La iluminación consistía en varios focos de modo que cada uno iluminaba varias de las obras, que carecían de cartela de información, ya que el autor no titula sus fotografías y resultaban prescindibles. Como información adicional habría que añadir que las fotografías son en blanco y negro sobre papel baritado virado al sulfuro y realizadas en Madrid, como rezaba un cartel de información pintado a la entrada de la exposición. Poseen un marco de madera de color marrón muy oscuro que contrastaba perfectamente con el blanco de las paredes y el blanco y negro de las obras.

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Una de las cosas que me llamaron la atención, aparte de la capacidad imaginativa del autor, capaz de formar sus obras partiendo de dos o más objetos cotidianos, fue la diferencia de tamaños de dichas obras, desde poder colocar 27 fotografías agrupadas en una misma pared, a poder ubicar solamente 4 debido al gran tamaño de estas últimas.

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A mí esta exposición me ayudó a comprender y a animarme a buscar el otro lado de todos las cosas y objetos de la vida, ya que lo que parece algo corriente, ya sea mezclado con otro objeto o por sí solo, puede tener otro uso o imagen y el poder de transmitir otra idea distinta a la original.

Exposición ‘A donde la luz me lleve’ de Ouka Leele

A donde la luz me lleveLa exposición, de nombre “Donde la luz me lleve”, dentro del ciclo “Miradas de Asturias”, se encuentra en el centro cultural Conde Duque, en la calle homónima, en Madrid.

Centro cultural Conde Duque

Dicho edificio es de estilo barroco, construido en torno a 1717, por el arquitecto madrileño Pedro de Ribera, por orden de Felipe V, primer rey de la casa de Borbón de España.
Destaca su portal labrado en piedra, una gran plaza central, dos patios laterales y unos espacios destinados a caballerías, prácticamente concluido en 1730.

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Se puede considerar el último gran ejemplo de la arquitectura madrileña.
En sus orígenes tuvo uso militar, pero en 1869 hubo un incendio que destruyó los pisos superiores y marcó el final del esplendor del edificio, que desde 1969, fue evolucionando hasta hoy en día como centro cultural y de ocio, donde se programan conciertos, exposiciones y ferias.
El espacio Conde Duque ubica: El Archivo de Villa, varias bibliotecas ( la Histórica, la Hemeroteca, la Biblioteca Víctor Espinós, la Biblioteca Pública), el Museo de Arte Contemporáneo, el auditorio, el teatro, varias salas de ensayo, el salón de actos y varias salas  de exposiciones (cinco de ellas dotadas con modernas instalaciones expositivas. Pueden funcionar junta o separadamente para exponer obras de diferentes tamaños. La exposición visitada se encuentra en la Sala 3).

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La autora de la obra es Ouka Leele (nombre artístico de Bárbara Allende Gil de Biedma) madrileña nacida en 1957, artista, pintora, poeta y fotógrafa.
Su nombre artístico procede de una obra del pintor “El Hortelano” (pintor español llamado José Alfonso Morera Ortiz) que consiste en un mapa de estrellas que él inventó, en el cual aparece la constelación llamada “Ouka Lele”
Ella entiende la fotografía como”poesía visual, una forma de hablar sin usar palabras”
Fue una de las protagonistas de la Movida madrileña.
Destacan sus fotografías en blanco y negro coloreadas y sus grabados.
Mezcla las tradiciones españolas con un gran colorido, como se demuestra en “Donde la luz me lleve” donde realiza fotografías en Asturias.
Entre sus galardones destacan la Medalla de plata de la Comunidad de Madrid (2012), el III Premio Nacional de Fotografía Piedad Isla de la Diputación Provincial de Palencia (2012) y el Premio Nacional de Fotografía, (2005) entre otros.
Como curiosidades cabe destacar que detuvo el tráfico de la Plaza de la Cibeles, para realizar  la conocida fotografía Rappelle-toi Bárbara. Ha colaborado en casi todas las ediciones del festival ARCO (Feria Internacional de Arte Contemporáneo) y actualmente trabaja junto al director de cine Rafael Gordon en el montaje final de la película La mirada de Ouka Leele, nominada a los Goya en 2010.

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 La Sala número 3, que es donde se expone la obra, es una sala rectangular, de paredes negras y suelo oscuro y varias filas de arcos de ladrillo con columnas de piedra. También tiene varias puertas que dan al patio y unas ventanas redondas y pequeñas, tapadas para impedir luz no deseada sobre las obras.
La autora personalmente eligió el color de las paredes, ya que hace destacar más las obras y en contraste con las fotografías producen una sensación de equilibrio mayor.

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La obra trata de un viaje de Ouka Leele a Asturias, y consta de 5 0 fotografías, además de tres vídeos proyectados en la pared. En dichos ejemplares se refleja el gran colorido y la luz, como el título de la obra indica, que el paisaje y la naturaleza transmiten.
Las primeras fotografías expuestas son, en mi opinión, las más coloridas y las que producen un mayor contraste con la sala, fotografías con mucha luz, mucho verde y colores llamativos.
Todas las fotografías están iluminadas con un foco cada una, que se encuentra en el techo. En mi opinión congenian muy bien el color y la luz de las obras (con recuadro blanco entre la fotografía y el marco, siendo este de madera clara al igual que las cartelas de información) con el negro de las paredes y con el tipo de iluminación elegida.

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Cabe destacar, que varias de las obras, son ediciones únicas, propiedad de Ouka Leele, mientras que otras, son propiedad de la fundación M ª Cristina Masaveu Peterson, como así se indicaba en las cartelas de información.
Habría que añadir que la sala tiene una parte en las que se ubican unas fotografías de colores oscuros en las que resaltaba en las tres, un llamativo punto de luz, como por ejemplo, un faro en la oscuridad…10945899_10204467686267063_7143456033871287646_o
y de otra parte para las fotografías en blanco y negro coloreadas con acuarela. Cinco ejemplares que se encuentran en unos marcos de madera algo más oscura que la del resto, de formas decoradas variables y con puertas.

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Lo que más me gustó y me llamó la atención fue la serenidad que transmiten las fotografías y el contraste que se produce con el negro de las paredes, al ser las fotografías de una luz y un color bastante llamativos, y el poder contemplar las fotografías pintadas de acuarela de esta autora.

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La verdad, es que nunca he estado en Asturias, y aunque varias personas me lo han recomendado, es ahora, después de ver esta exposición cuando tengo claro que tengo que visitar este lugar, sitios como Llanes y Pravia… lugares donde la autora realizó varias de las fotografías expuestas.

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EXPOSICIÓN ‘MIRELLA’ DE FAUSTO PODAVINI

La exposición se ofrece al público en uno de los locales Fnac de Madrid, concretamente en el de Callao, en Calle Preciados, siendo este el primer centro que se abrió en España, en 1993. Dicha empresa fue creada en Francia a mediados del siglo XX.

Fnac es una distribuidora tanto cultural como  de productos tecnológicos y musicales, principalmente en Europa. También ofrece gran cantidad de eventos, como exposiciones, cursos, presentaciones, concursos, proyecciones…

El autor, Fausto Podavini nació en Roma. Actualmente reside y trabaja allí.

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Graduado en un Master en Reportaje de la Academia de Fotografía. Su primer trabajo lo realizó como asistente de fotógrafo. Finalmente abandonó la fotografía para dedicarse al reportaje en varias ONG´s donde actualmente se encuentra cursando algunos proyectos fotográficos personales. Trabaja también como profesor de Fotoperiodismo. Además de sus diversos informes en África, América del Sur y la India, Podavini ha realizado importantes trabajos en el territorio italiano: un informe sobre el deporte para discapacitados, otro en una prisión juvenil y una obra sobre el Alzheimer (tema del que trata su obra MiRelLa)

La obra se expone en una sala de conferencias del recinto Fnac, preparada para charlas y exposiciones.

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Las paredes de la sala eran rojas, lo que en mi opinión resalta bastante con las fotografías en blanco y negro de Podavini, que junto al marco de madera clara ayuda a un mayor contraste.

Estaba iluminada cada fotografía con dos focos desde arriba, lo que impide que haya sombras que oculten algo de la imagen.

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A medida que avanza la obra también se observa como avanza a su vez la enfermedad del marido de Mirella. El nombre de la mujer coincide con el de la obra, ya que refleja lo que Mirella lucha junto a su marido contra la enfermedad del Alzheimer, tras 43 años viviendo con esa persona y viendo como su compañero de vida, no la reconoce.

Me pareció razonable la forma de colocación de la obra, ya que se observa un orden cronológico en el avance de la enfermedad del marido y del sufrimiento y lucha de Mirella.

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Lo que más me llama la atención es como resaltan las fotografías al tener un reborde blanco alrededor de ellas, ya que siendo estas en blanco y negro y de un tamaño bastante menor que el reborde hace que destaquen más, lo que le ayuda también el tener como fondo una pared roja y bien iluminada.

Algo negativo que destacaría sería que las fotografías tienen un cristal que refleja la sala y desconcentra de la obra.

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Dicha exposición me transmitió el sentimiento de la lucha por la enfermedad que afecta a un ser querido y de la falta que hace que la persona que sufre la enfermedad se sienta apoyada y querida, aunque como es en este caso, esa persona se termine olvidando de incluso quien es la persona que lucha a su lado.

CON LA BOCA ABIERTA

Exposición cuya duración abarca del 6 de Noviembre de 2014 al 18 de Enero de 2015 se encuentra expuesta en El Centro de Arte Tomás y Valiente (CEART), en Fuenlabrada, que  inició su andadura el 5 de abril de 2005.

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Desde su apertura, ha albergado más de cuatrocientas exposiciones de artistas de la talla de Miró, Calder, Isabel Muñoz, Cristina García Rodero, Palazuelo, Tàpies, Ouka Leele, Pierre Gonnord o Carmen Calvo entre otros.

La sala, en un principio iba a ser una especie de polideportivo para baloncesto, de ahí el techo tan alto y que se vean las gradas, pero finalmente fue en centro de exposiciones en el que hay tres salas A, B y C; la sala A esta pensada para artistas conocidos, la B para artistas en crecimiento y la C para colectivos (entre ellos exposiciones de gente de Fuenlabrada)

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La sala A, donde se expone Con La Boca Abierta, suele contener exposiciones de pintura, acuarela, instalaciones y fotografía. Siempre que toca exponer dicho tema (fotografía) en esta sala, que se cambia cada 3 meses, todo el edificio expone fotografía en sus tres salas.

Cristina García Rodero, nacida el 14 de octubre de 1949) es la autora de esta exposición de fotografía. Sus primeras obras se dieron a conocer en los concursos universitarios a finales de los años sesenta. En 1973 se plantea la tarea de fotografiar costumbres y fiestas por toda España para lo que recibe una beca. También ha realizado reportajes sobre tradiciones en diferentes países. Su obra fotográfica se podría enmarcar en el reportaje, aunque desde un punto de vista muy personal.

Hasta 1999 casi la mayoría de sus fotos son analógicas y de ahí en adelante ya son digitales.

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En el caso de esta exposición dejó la elección de que fotografías mostrar al encargado de la exposición, ya que ella siente un gran amor por sus fotografías y por las historias que hay tras ellas y no pudo decidirse sobre cual exponer de las 10000 que en principio tiene y finalmente se expusieron 54 sobre pared, aparte de algunas otras en un vídeo que se podía observar en una sala anexa.

Las fotografías están colocadas de manera que representen como hilo conductor el ciclo de la vida, desde el nacimiento, que es la primera foto y captura el instante del nacimiento de un bebé, hasta la muerte, que se da en varias de las últimas fotos.

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En las paredes están escritas frases y vocabulario relacionado con la boca, como por ejemplo caer de boca, dejar con la boca abierta… ya que pensaron que ya que las fotos tienen gran riqueza, el vocabulario también lo posee.

En un principio no le gustaban las cartelas (cartelitos bajo las obras que dan información) ya que dice que las fotos expresan por si mismo suficiente y que eso hace que no dejes volar la imaginación.

En un principio lo que más me llamó la atención fue que las fotografías se encontraban en blanco y negro y además como logra capturar el momento justo que quiere transmitir en la fotografía, ya sea el momento del bostezo de una niña en una de las instantáneas como el momento exacto del llanto de un niño en otra.

Como poco acertado recalco la idea de las fotografías en blanco y negro, ya que en mi opinión, llamaría aún más la atención si algunas de ellas se hubiesen realizado a color, y la idea de poner las cartelas en un color tan poco llamativo que en más de una ocasión y además por efecto de la iluminación, pasaban desapercibidas.

Lo que me gustó de la obra es que me transmitió un punto de vista de la evolución de las personas, como se va creciendo y como a lo largo de nuestra vida, como el nombre de la exposición indica, siempre se expresa muchas emociones teniendo la boca abierta, ya sea aburrimiento, cansancio, dolor, alegría…

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CCI060120151345La obra se encontraba expuesta desde el 19 de Diciembre hasta el 10 de enero de 2015.

Esta exposición se muestra en el Espacio de Arte “Antonio Pérez” (planta baja del edificio Centro San José, Guadalajara), edificio perteneciente a la Diputación dedicha ciudad, en cuyo interior se localizan y realizan diversas actividades, como puede ser la UNED, una sala de actuaciones musicales, pequeñas salas multiusos de exposiciones y algún ministerio. En sus orígenes dicho edificio fue un orfanato y un centro en el que se hacían cargo de los niños cuyas familias no podían mantener.

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Fernando (Nando) Rivero, autor delas fotografías nació en Las Palmas de Gran Canaria el 30 de Mayo de 1971.

Posee diversos premios como pueden ser:

-Medalla de plata de la AFGU, Concurso Nacional de Fotografía “Aniversario AFGU”.
-Primer premio “Guadalajara en Tiempo de otoño”
-Primer premio Segunda categoría”XVII Concurso de Fotografía Ferias y Fiestas de Guadalajara”

La sala en la que se encuentrala exposición es una de las dos que se encuentran en dicho edificio, una sala no muy grande en la que la obra se encontraba distribuida en dos de sus paredes blancas, iluminadas por varios focos y sin ninguna cartela.

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Hay dos tamaños de fotografía, uno pequeño que se expone una fotografía encima de otra y en formato horizontal y otra algo más grande en formato vertical.

La obra trata de las fotos tomadas a unos pacientes del hospital de Guadalajara, en el que se realizan sesiones de animación y apoyo a los ingresados allí, sobretodo ancianos y niños.

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La primera fotografía de la exposición nos muestra una silla de ruedas, sin ninguna persona en ella, y va avanzando contando la historia de como uno de los voluntarios (disfrazados de payaso) van por las habitaciones buscando a los pacientes y llevándolos a una sala común con el resto de ingresados. También se aprecia como a medida que avanza la obra también aumenta el número de sonrisas. La obra concluye con una última fotografía en la que un cartel del hospital sirve como título, Rehabilitación.

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Una vez más, lo que más me ha llamado la atención así como es el uso del blanco y negro en las fotografías, que transmite la congelación precisa de un determinado instante, es la brevedad de las obra, únicamente 18 fotografías, pero suficientes para plasmar la labor que estos voluntarios realizan en el hospital.

CCI06012015134La exposición me ha transmitido felicidad al ver como esos pacientes sonreían gracias a la labor de cierta gente involucrada y me ha gustado saber que hay personas que se encargan de esa labor que pasa tan desapercibida pero muy necesaria.